La linea sottile tra imitazione e appropriazione
I post che hanno improvvisamente riempito i social media hanno entusiasmato per mezzo secondo molti utenti per un potenziale nuovo film dello Studio Ghibli. A un’analisi più attenta, tuttavia, sono apparse chiare le origini artificiali di queste immagini e le preoccupazioni etiche che sollevano.
Le immagini virali di Ghibli prodotte da ChatGPT non sono state create con un intento malevolo, ma rappresentano aspetti preoccupanti dei media prodotti dall’intelligenza artificiale che meritano un esame critico.
Come spiegato qui, questa tendenza è emersa dall’ultimo aggiornamento di ChatGPT da parte di OpenAI, caratterizzato da un generatore di immagini migliorato che supera l’attuale modello DALL-E nell’imitare stili artistici specifici. Non imita semplicemente estetiche generiche come “Rinascimento” o “Antico Maestro olandese”, ma i linguaggi visivi distintivi di studi specifici e di singoli artisti.
Una marea di contenuti generati dall’intelligenza artificiale si è poi diffusa quando gli utenti hanno scoperto che potevano chiedere al sistema di trasformare le foto in immagini in stile Ghibli. A ricevere il processo di trasformazione dell’AI in Ghibli sono stati, su tutte le piattaforme, animali domestici, bambini, amici, celebrità e meme. Tutti i risultati, belli o strani che siano, si limitano a evocare più che a incarnare l’essenza di Ghibli.
I film dello Studio Ghibli sono intenzionalmente, quasi radicalmente, intenzionali sia nello stile che nella produzione. Si fermano laddove la maggior parte dei film accelera, offrendo agli spettatori momenti per apprezzare la bellezza del vento animato sull’erba o i dettagli sfumati di una strada vuota. L’arte non si limita a un semplice impatto visivo: ogni fotogramma contiene uno scopo, una cura e un’abilità artigianale.
Questi film sono stati meticolosamente disegnati a mano nel corso degli anni da artisti esperti che hanno dato vita a ogni fotogramma. Quello che l’IA deve digerire e rigurgitare è un’estetica che non coglie il punto in modo comico. L’uso di un’analogia musicale è simile alla pretesa di equivalenza tra un’orchestra sinfonica e qualcuno che suona Mozart su un kazoo.
Ciò che incombe è la questione dell’autorizzazione e dell’intento artistico. Hayao Miyazaki, il fondatore di Ghibli, ha espresso un inequivocabile disprezzo per l’arte generata dall’IA. In un documentario del 2016 ha risposto con visibile repulsione a una dimostrazione di animazione artificiale, definendola “un insulto alla vita stessa”. La sua reazione non era performativa o motivata solo da preoccupazioni finanziarie, ma sembrava derivare da una posizione filosofica più profonda sulla creatività e l’integrità artistica.
Secondo quanto riferito, OpenAI ha preso provvedimenti per rispondere alle preoccupazioni artistiche in seguito al crescente clamore suscitato, affermando di aver limitato la possibilità per gli utenti di generare immagini che imitino specifici artisti viventi. Ciò che sembra essere applicato in modo incoerente è questa protezione agli studi o ai creatori deceduti o persino alle leggende viventi come Miyazaki, la cui eredità rimane vulnerabile all’appropriazione algoritmica.
ChatGPT ha prodotto prontamente immagini simili a quelle di Ghibli, il che suggerisce una significativa lacuna nelle presunte protezioni di OpenAI contro l’appropriazione artistica.
La proliferazione dell’arte generata dall’intelligenza artificiale solleva profonde domande sul valore della formazione e dell’esperienza artistica. Gli artisti tradizionali investono anni di studio disciplinato, pratica e risorse finanziarie per sviluppare il proprio mestiere. Questo investimento comprende l’istruzione formale, i materiali, innumerevoli ore di sperimentazione e il graduale perfezionamento della tecnica e dello stile personali.
Oggi, persone che non hanno un background artistico possono generare immagini di grande impatto visivo attraverso l’IA con un investimento minimo di tempo e di conoscenze tecniche, in netto contrasto. Ciò che un prompt ben fatto può produrre in pochi secondi è ciò che un artista umano potrebbe impiegare giorni o settimane per creare. Questa scorciatoia tecnologica altera fondamentalmente il rapporto tra sforzo e produzione artistica, svalutando potenzialmente le competenze e le conoscenze specialistiche che gli artisti professionisti hanno coltivato.
Ciò che potenzialmente satura i mercati creativi e diminuisce le opportunità per gli artisti umani è quando individui non addestrati possono produrre arte che assomiglia superficialmente a un lavoro professionale. Le opere generate dall’intelligenza artificiale possono non avere la profondità concettuale, l’intenzionalità e le sfumature tecniche dell’arte creata dall’uomo, ma il loro fascino visivo e il basso costo di produzione creano una situazione di disparità che minaccia i mezzi di sussistenza degli artisti.
La maggior parte delle persone che generano queste immagini non sta cercando di insultare nessuno o di minare le professioni artistiche. Partecipano a ciò che i fan hanno sempre fatto: mostrare ammirazione attraverso la reinterpretazione. Esiste tuttavia una differenza significativa tra la creazione di fan art personali che imitano lo stile di un artista e il fatto che un algoritmo lo faccia automaticamente.
L’AI art non è intrinsecamente problematica, ma il suo utilizzo richiede un’attenta considerazione, soprattutto quando si interseca con l’eredità creativa di qualcun altro o minaccia la sostenibilità economica delle carriere artistiche. Le macchine possono certamente aiutare gli esseri umani a creare, ma dovrebbero incrementare la creazione originale piuttosto che appropriarsi semplicemente delle visioni artistiche esistenti.
L’industria tecnologica deve collaborare con le comunità artistiche per sviluppare quadri etici che rispettino la proprietà creativa e consentano l’innovazione. Ciò potrebbe includere confini più chiari sull’uso commerciale, requisiti di attribuzione, meccanismi di esclusione per gli artisti e, potenzialmente, sistemi di compensazione che riconoscano i creatori originali il cui lavoro forma questi sistemi di IA.
La società si trova di fronte alla crescente sofisticazione dei contenuti generati dall’IA e alla sfida di preservare il valore della creatività umana, abbracciando al contempo il progresso tecnologico. La ricerca di questo equilibrio richiederà un dialogo continuo tra tecnologi, artisti, etici e pubblico, per garantire che l’IA serva da strumento per espandere il potenziale creativo umano, anziché minarlo.
La democratizzazione della creazione di immagini attraverso gli strumenti di intelligenza artificiale presenta un paradosso che colpisce il cuore del valore artistico. Sebbene i non esperti possano produrre immagini di grande impatto visivo con uno sforzo minimo, queste creazioni spesso mancano della profondità e dell’intenzionalità che definiscono un’arte significativa. La capacità di generare senza capire crea una disconnessione fondamentale: questi utenti dell’IA possono produrre ma non possono revisionare in modo significativo, non possono articolare le scelte artistiche fatte e spesso non sono in grado di identificare o correggere i sottili difetti che occhi esperti individuano immediatamente.
Questa accelerazione della produzione artistica sconvolge il tradizionale rapporto tra tempo e maestria. Il modello di apprendistato dello sviluppo artistico, in cui le abilità vengono affinate attraverso anni di pratica, fallimenti e perfezionamento, viene svalutato in un mondo di creazione istantanea. Gli artisti tradizionali sviluppano il loro stile e le loro abilità tecniche attraverso innumerevoli ore di pratica e sperimentazione. Questo processo lento, spesso frustrante, non si limita a raggiungere un prodotto finale, ma serve a sviluppare il giudizio sofisticato e la sensibilità estetica che informano un lavoro veramente significativo.
L’aspetto forse più preoccupante è il cambiamento culturale nell’apprezzamento del pubblico. Mentre le immagini generate dall’intelligenza artificiale inondano gli spazi creativi, le aspettative del pubblico si adattano a questa nuova realtà. Il pubblico gravita sempre più verso la quantità rispetto alla qualità e lo spettacolo rispetto alla sostanza. Quando tutti possono produrre lavori apparentemente professionali, la soglia di riferimento per l’impressionabilità si abbassa notevolmente, mentre la capacità di distinguere un lavoro veramente eccezionale richiede una comprensione più sofisticata di quella che molti osservatori occasionali possiedono.
Questo crea una spirale preoccupante: man mano che circolano immagini di grande impatto visivo ma concettualmente vuote, il pubblico viene condizionato a privilegiare l’impatto visivo immediato rispetto al merito artistico più profondo. Il mercato risponde di conseguenza, spesso premiando le opere rapide e derivative rispetto a quelle che richiedono un investimento di tempo e competenza. Gli artisti si trovano a dover mantenere i propri standard e a competere con l’incessante produzione dei generatori di IA.
La posta in gioco non è solo il sostentamento degli artisti, ma la nostra capacità collettiva di valorizzare gli elementi umani che rendono l’arte significativa: l’intenzionalità, la lotta, la visione personale e il dialogo con la tradizione che nessun algoritmo può veramente replicare. Mentre la società naviga in questa transizione tecnologica, dobbiamo considerare non solo ciò che possiamo creare, ma anche ciò che rischiamo di perdere quando la creazione diventa avulsa dall’esperienza e dallo sforzo umano.
